Cables of Cobwebs - Fino al 2 Maggio 2026

Patricia Low Contemporary è lieta di presentare la mostra "Cables of Cobwebs" esposta fino al 2 maggio 2026. Artisti: Layla Andrews, Anouk Lamm Anouk, Kv Duong, Julie Hamisky, Melissa Kime, Yaya Yajie Liang, Enrique Martinez Celaya, Alexandria Smith.

Riunendo un gruppo di artisti internazionali le cui opere canalizzano lo spirito dell'universo, questa mostra riflette sulla nostra duratura connessione con il mondo naturale. Attraverso la pittura e la scultura, gli artisti qui riuniti rivolgono la loro attenzione alla luna, alla terra, agli animali, all'acqua, alla vita vegetale e alle forme simboliche tratte dalla natura, riflettendo sulle forze invisibili che modellano le nostre vite. Magia, surrealismo e la silenziosa intelligenza delle forme organiche attraversano le opere esposte, invitandoci a rallentare e a contemplare i fili che legano tutti gli esseri viventi.

La mostra prende il titolo da un dipinto del 2024 di Yaya Yajie Liang, We are unwilling to spin out our thoughts into the phantasm of sleep, making cables of cobwebs are wilderness of handsome groves. La pratica di Liang è radicata nell'ecologia queer, esplorando il mondo naturale come uno spazio di possibilità espansive dove la diversità delle forme viene celebrata. All'interno degli ecosistemi del pianeta, le variazioni di genere, sessualità e relazionalità fioriscono senza giudizio. Per Liang, la natura offre non solo un modello di questa molteplicità, ma anche un luogo di nutrimento e guarigione. I suoi delicati acquerelli su carta di riso cinese catturano momenti fugaci in cui le forme organiche sembrano mutare e dissolversi. Foglie, viticci e corpi turbinano insieme, formando costellazioni surreali che evocano l'essenza magica del mondo naturale.

Una relazione altrettanto trasformativa con la natura appare nei dipinti di Alexandria Smith. Le figure di Smith sono spesso ritratte in stati di purificazione o rinascita, immerse nella luce lunare o emergenti dalle onde. L'acqua e la luce lunare diventano agenti di cambiamento, lavando via i fardelli del passato e aprendo spazio a nuovi futuri. Cornici ornate estendono le narrazioni dei dipinti oltre i loro bordi, invitando gli spettatori a entrare pienamente nel mondo immaginativo di Smith. Il suo lavoro attinge all'eredità delle surrealiste del XX secolo guardando al futuro, suggerendo possibilità speculative su chi potremmo diventare una volta arresi ai ritmi del cosmo.

Folclore e mito modellano le scene oniriche create da Melissa Kime. I suoi dipinti attingono al linguaggio visivo delle fiabe, intrecciando donne, animali e paesaggi stagionali. Nel corso della storia, le donne sono state immaginate come guaritrici, guardiane dei cicli e custodi di una conoscenza tramandata silenziosamente tra le generazioni. Kime abbraccia queste associazioni, raffigurando momenti di transizione che sembrano sospesi tra i mondi. Le figure appaiono accanto agli animali o all'interno di ambienti mutevoli che suggeriscono il volgere delle stagioni. In questi spazi, il confine tra uomo e natura si dissolve, permettendo allo spettatore di soffermarsi in un momento soglia di trasformazione.

Anche i dipinti di Anouk attingono a una stirpe di artisti che hanno esplorato strette relazioni tra esseri umani e animali. Pittori queer come Romaine Brooks, Lotta Laserstein e Renée Sintenis includevano frequentemente animali accanto ai loro soggetti, mentre la celebre pittrice francese Rosa Bonheur costruì la sua carriera dipingendo animali con notevole sensibilità. Queste storie risuonano nella pratica di Anouk. Nelle tele sagomate più piccole qui presentate, gli animali appaiono come compagni e controparti, resi in una tavolozza contenuta che permette ai corpi e al mondo naturale di fondersi dolcemente. Le figure umane rimangono deliberatamente neutre nella forma, creando un senso di apertura che permette a diversi spettatori di riconoscersi nella scena. In questi incontri silenziosi, l'umano e l'animale si incontrano su un piano di parità. I dipinti evocano l'atmosfera di antiche storie e favole, dove gli animali fungono spesso da guide, specchi o compagni spirituali.

Layla Andrews utilizza l'immaginario animale per esplorare le complessità dell'esperienza umana. Una testa di coccodrillo ricorrente appare nei suoi dipinti, una presenza inquietante che sfuma il confine tra istinto e coscienza. Cresciuta in una famiglia matriarcale e influenzata dalle sue origini miste, Andrews approccia la narrazione come un processo stratificato ed emotivo. I suoi dipinti portano tracce di memoria, dolore e resilienza, esplorando come le storie personali si intreccino con narrazioni culturali più ampie. In dialogo con il lavoro di Anouk, Andrews ci ricorda che anche gli esseri umani sono animali, guidati da istinti che ci connettono profondamente al mondo vivente che ci circonda.

Il paesaggio stesso diventa un luogo di memoria nel lavoro di KV Duong. In Untitled (Enigma), no 3, dipinge paesaggi del suo nativo Vietnam, terreni che portano le tracce visibili e invisibili della guerra. Il suo uso distintivo del lattice crea una superficie che è allo stesso tempo sensuale e inquietante, richiamando sia la pelle che la terra. Per Duong, i paesaggi non sono mai neutri; assorbono la storia, conservando l'impronta della violenza, dello spostamento e del tempo. Tuttavia, in queste opere la terra appare anche resiliente: la natura persiste, continuando a crescere e mutare nonostante ciò che è accaduto su di essa. In questo senso, il paesaggio offre sia testimonianza che possibilità, portando le cicatrici del passato pur rimanendo aperto al rinnovamento.

Il lavoro di Enrique Martínez Celaya approccia la natura attraverso una lente poetica e filosofica. Integrando osservazioni sfumate di esperienze fugaci con domande durature su memoria, tempo e appartenenza, i suoi dipinti riuniscono figure rese con cura, frammenti di paesaggio e segni suggestivi o linee di testo. Questi elementi coesistono spesso in stati di completezza e incompletezza, creando immagini che sembrano sospese tra presenza e memoria. Attingendo al mito, alla natura e alla storia personale, il lavoro di Martínez Celaya esplora lo spazio fragile tra lo spostamento e l'appartenenza.

Le sculture di Julie Hamisky portano la mostra in una forma tridimensionale attraverso delicate composizioni di fiori e conchiglie. Cresciuta nella campagna a sud di Parigi e formata nello studio della nonna, Claude Lalanne, Hamisky ha sviluppato un fascino per la preservazione della bellezza fugace della materia organica. Usando l'elettrolisi, un processo che trasforma le piante vive in metallo, sospende forme fragili nel tempo. Le sue composizioni sfidano l'equilibrio, apparendo quasi impossibili nella loro disposizione. Ci ricordano che la natura segue un proprio ordine, che spesso supera la comprensione umana.

Insieme, questi artisti offrono percorsi diversi verso la stessa fondamentale consapevolezza: il mondo naturale non è separato da noi, ma profondamente intrecciato con ciò che siamo. I paesaggi conservano la memoria, gli animali rispecchiano i nostri istinti e le piante tracciano i ritmi della vita stessa. Rivolgendosi a queste connessioni, le opere in mostra ci chiedono di immaginare un futuro plasmato non dal dominio della natura, ma dall'ascolto della sua saggezza. In questo cambiamento risiede la possibilità di guarigione, trasformazione e di una rinnovata appartenenza.

Testo della mostra a cura di Gemma Rolls-Bentley

PATRICIA LOW VENEZIA 

Palazzo Contarini Michiel, Dorsoduro 2793, 30123 Venezia, Italia

venezia@patricialow.com